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  • Polifonia-Musica Enchiriadis-Polifonia Gregoriana



    Polifonía
    Escritura musical en la que varias voces con o sin instrumentos cantan melodías distintamente concebidas en conjunto.
    Vocablo derivado del griego, polufonia, que significa mucha voz. En la música se reconoce como un conjunto de sonidos simultáneos, en que cada uno expresa su idea musical, conservando su independencia, formando así con los demás un tono armónico. A partir de los primeros tratados la creación consciente de composiciones polifónicas y su sistematización marcarían un rumbo distintivo al desarrollo de la música occidental. Se estaban poniendo los cimientos para construir el edificio sonoro vertical que la diferencia de otras músicas del mundo. Músicas no menos importantes y complejas aunque hayan seguido caminos y desarrollos diferentes. Con una mirada retrospectiva los tratadistas teóricos del siglo XII plantearon el tema de la polifonía buscando referencias sobre la interpretación de algunos cantos a varias voces en la música culta de tipo religioso de la zona de Francia. Recordemos que el Canto Romano Antiguo habría efectuado un viaje de ida y vuelta para retornar a su punto de origen transformado por las influencias de la Liturgia Galicana. En el siglo VII Isidoro de Sevilla (ca. 560-636) hacía referencia en sus escritos a la música armónica como sonidos simultáneos a los que definía en términos de simphonía (consonancia) y diaphonía (disonancia). Llamó simphonías a la simultaneidad acorde de sonidos graves y agudos a distancia interválica de octava, cuarta y quinta. El resto de los intervalos serían sonidos discordes o no consonantes. Entre los siglos IX-X, Hucbaldo (ca. 840-930) en Harmonia Institutiones, introducía el término organum, refiriéndose a la consonancia como el encuentro simultáneo y armónico de dos sonidos emitidos por diferentes fuentes. Su contemporáneo Regino de Prum ( † 915), en un tratado del mismo título y con propósitos parecidos intentaba también definir consonancia y disonancia.En la música medieval se denominará como “canto de órgano” a la interpretación polifónica para distinguirla del “canto llano” o monodia. Se ha señalado también la derivación de polifonías orientales practicadas en la zona rusa de Georgia -lugar donde existirían las primeras comunidades que interpretaban músicas polifónicas- y la práctica de quintas paralelas en Cerdeña como forma primitiva de polifonía.(Fuente)
    El canto gregoriano, como en general toda la música profana medieval anterior al siglo XI, había sido esencialmente monódico, o sea en cualquier composición no existía más que una línea melódica única, y las voces humanas e instrumentales la interpretaban al unísono. Hacia el final del siglo IX, esta monodia empezó a dividirse en dos voces distintas.A cada nota del canto, por lo común una melodía ya existente, correspondía una sola nota de la segunda voz, o sea punctum contra punctum (contrapunto). Por lo tanto, se trataba de la misma melodía cantada a distancia de cierto intervalo: octava, quinta o cuarta.



    Clement Janequin
    MADRIGAL DI CASTELLI
    Brasília coral



    Durante todo el siglo XV y la primera mitad del XVI, el centro del arte polifónico fue la región que comprendía el norte de Francia y las actuales Bélgica y Holanda, en la cual apareció la escuela flamenca. Ésta - Francesco Guicciardini (1483-1540) dijo que los compositores flamencos eran "indiscutibles señores de la música"- tuvo éxito indescriptible y logró insospechada maestría en el dominio de los principios técnicos que habían legado los períodos anteriores. El conjunto de los procedimientos contrapuntistas y polifónicos se desarrolló al máximo.El auge del polifonismo, de valor excepcional por su perfección formal y por su rica inspiración, aconteció principalmente en Italia. Entre los compositores no-itálicos hay que recordar al compositor flamenco Roland de Lassus(1) (1532-1594), una de las más altas cimas del Renacimiento músico.
    En París, las creaciones polifónicas alcanzarían una magnitud similar a la monumentalidad de las grandiosas catedrales góticas. La Escuela de Notre Dame abriría nuevos caminos a la creatividad de la música occidental.
    Los franceses: Clément Janequin (2) (1485-1558), Guillaume Costeley (3) (1531-1606), Claude Le Jeune (4) (c. 1530-1600) y Jacques Mauduit (5) (1557-1627).Los ingleses: Thomas Tallis (6) (1505-1585), William Byrd (7) (1543-1623), Thomas Morley (8) (1558-1602) y John Dowland (9)(1562-1616).




    El primer tratado que abordó las normas para componer obras polifónicas fue el anónimo del siglo X Música Enchiriadis.Este es s un tratado musical anónimo del siglo X, en el que se fijan de manera seria, por vez primera, las leyes de la incipiente polifonía, especialmente en lo que concierne a la música sacra. El tratado, referencia de la música hasta la revolucionaria escuela Ars Nova, describe entre otros el órganum básico como la superposición de quintas, cuartas y octavas paralelas, que corresponde a do-sol-do, indicando: «Doblando la melodía mediante una segunda voz a un intervalo constante distinto de la octava se obtiene una melodía de sonido agradable». El intervalo que más se usaba era la cuarta descendente (o sea la quinta ascendente, pero una octava más baja).El Música enchiriadis enfatiza el papel de los intervalos consonantes, los únicos permitidos en polifonía y que en aquella época se limitaban a las cuartas, quintas y octavas justas. También habla de normas de interpretación e incluye antiguas indicaciones de carácter, hoy en desuso, como morosus (triste) o cum celeritate (con celeridad).




    Roland de Lassus(1)
    Sus obras se editan en suntuosas versiones y su éxito en París es tal que piensa establecerse allí, aunque no llega a hacerlo. A partir de 1580 se retira de la corte para dedicarse a la composición, siendo cada vez menor el número de obras religiosas que salen de su pluma. Tuvo numerosos discípulos, entre los que algunos han alcanzado gran celebridad como Léonard Lechner y sobre todo Giovanni Gabrielli. En el último año de su vida compone una de sus obras maestras: Las lágrimas de San Pedro. No resulta fácil dar una visión general de la obra de Lasso por cuanto que es cuantiosa y muy diferente, hallándose además dispersa en distintas colecciones. Dedicó una atención especial al motete tratado con la técnica de la imitación libre.
    Clément Janequin (2)
    Compositor francés. Fue uno de los grandes maestros de la canción polifónica descriptiva francesa de la primera mitad del siglo XVI. De su infancia y su juventud se desconoce prácticamente todo; es posible que fuera discípulo de Josquin Desprez, el compositor más destacado de la época. Ordenado sacerdote, ocupó diversos cargos en parroquias de la región de Burdeos, entre ellos el de maestro de música de la catedral de Angers. En 1549 se trasladó a París, donde entró al servicio del duque de Guisa.
    Guillaume Costeley (3)
    Compositor francés. Fundó una asociación organizadora de concursos musicales que premiaría en 1575 a O. di Lasso. Escribió, en estilo renacentista, polifonía coral y fantasías instrumentales.
    Claude Le Jeune (4)
    En Francia, el poeta Clement Marot y el teólogo y reformador protestante Theodore Beza tradujeron los Salmos al verso métrico francés. Las traducciones fueron introducidas por el reformador religioso francés Juan Calvino en su sistema de culto y fueron adoptadas por las iglesias reformadas de Francia y Suiza. Las melodías utilizadas con dichas traducciones fueron seleccionadas o compuestas por el músico francés Louis Bourgeois. Otros dos músicos franceses del siglo XVII, Claude Goudimel y Claude Le Jeune, compusieron arreglos a cuatro voces de las melodías de Bourgeois.
    Jacques Mauduit (5)
    Compositor francés. Sensible y culto, amigo de Ronsard, colaboró con el poeta Baïf en sus intentos de adoptar, en la poesía y en la música, la métrica clásica.
    Thomas Tallis (6)
    Su mayor aportación se dio en el terreno de la música sacra coral y el grueso de su producción musical se compone de motetes con textos seleccionados personalmente por él que tienen influencias directas del estilo de los maestros renancentistas italianos ydel norte del continente. Sus himnos ingleses (English Anthems ) supusieron un paso importante en el desarrollo inicial de este genero musical.
    William Byrd (7)
    A pesar de ser católico, en una Inglaterra protestante, Byrd gozó de la veneración nacional y su lealtad nunca se puso en duda. Murió el 4 de julio de 1623 en Stondon, Essex. Demostró una maestría, no usual en su época, en la composición de todos los géneros musicales, tanto vocales como instrumentales. Compuso seis servicios religiosos anglicanos y unos sesenta himnos, pero su música sacra en latín se considera lo más importante de su obra. La extensión e intensidad de ésta no tienen parangón en la música inglesa. Sus composiciones latinas más importantes incluyen tres misas, los volúmenes Cantiones Sacrae (1589 y 1591), y los dos volúmenes Gradualia (1605, 1607), el ciclo del año litúrgico de las partes variables de la misa. Fue uno de los primeros en componer fantasías para grupos de violas.
    Thomas Morley (8)
    Compositor inglés, teórico, editor y organista del Renacimiento, y el miembro más conocido de la Escuela Madrigalista inglesa. Fue también uno de los principales compositores de música secular en la Inglaterra isabelina, y el creador de los únicos arreglos contemporáneos sobrevivientes de versos de Shakespeare.
    John Dowland (9)
    Laudista del rey Cristián IV de Dinamarca. En 1612 obtuvo el puesto que siempre había deseado: laudista del rey Carlos I de Inglaterra, cargo que desempeñó hasta su muerte. Sus canciones para laúd contienen textos cargados de pasión y dramatismo, los acompañamientos están subordinados, aunque muestran cierta independencia melódica



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